Diseño del sintetizador Yamaha
Dentro de Yamaha, el Laboratorio de Diseño es responsable del diseño de productos. Esta organización nació cuando la Sección de Empaques de la sección de desarrollo se reformó como un departamento independiente y ahora emplea aproximadamente a 25 diseñadores que se encargan de diseñar una amplia gama de productos, incluidos pianos de cola, guitarras, palos de golf, productos de audio y salas insonorizadas. Aunque Yamaha puede pedir a veces a otras organizaciones que diseñen sus productos, casi todos los sintetizadores se diseñan y crean internamente. Aquí, echamos un vistazo a los sintetizadores que Yamaha ha dado al mundo, con un enfoque particular en el diseño.
La visión del jugador; la visión de la audiencia
El primer sintetizador de Yamaha, el SY-1 (1974), fue un instrumento desarrollado como teclado para partes solistas para el Electone®. Presentaba un diseño de panel que facilitaba la interpretación mientras se tocaba el Electone de la época, su instrumento original, y un diseño general que coincidía con su instrumento original, el Electone de la época. Lanzado al año siguiente en 1975, el GX-1 fue un instrumento innovador que presentaba la misma cantidad de generadores de tonos que 35 sintetizadores típicos de la época. El instrumento y el taburete estaban unidos, envueltos en blanco y sostenidos por patas adornadas con cromo, de modo que el GX-1 y el intérprete parecían flotar sobre el escenario. Por supuesto, dado que ningún instrumento está completo sin alguien que lo toque, el taburete tiene un diseño móvil, lo que permite al intérprete asumir una postura adecuada para la interpretación. El sonido y la forma del GX-1 dieron una impresión futurista, como para transmitir que estaba llegando una nueva forma de música.
En la era de los sintetizadores analógicos, los generadores de tonos ocupaban mucho espacio y, a pesar de las diversas limitaciones a las que estaban sujetos estos instrumentos, la usabilidad era una consideración importante. El modelo estrella CS-80 que Yamaha lanzó en 1977 venía con un estuche equipado con ruedas para facilitar su transporte y presentaba una serie distintiva de botones en el panel de control. El uso de madera en los paneles traseros y laterales transmitía una impresión de fiabilidad de alta resistencia y le daba al CS-80 una sensación de calidez. Con la llegada de los años ochenta, el paso a la tecnología digital impulsó una reducción en el tamaño de los sintetizadores y, con ello, un cambio en su apariencia exterior. El CS01 de 1982 presentaba una memoria de voz que se había convertido a digital, un miniteclado, una fuente de alimentación por batería y altavoces internos integrados y, si bien mejoraba la libertad disponible para los teclistas en el escenario, también estaba dirigido a la cultura juvenil de la época que enfatizaba la necesidad de ligereza. Los músicos podían colgar el CS01 de una correa para el hombro para lograr una apariencia "genial" en el escenario, enfatizada por el diseño simple del panel y el gráfico "CS01" impreso en azul claro sobre el cuerpo gris del instrumento.
Lo que cambió por completo el mundo de los sintetizadores fue la llegada del enormemente popular DX7, que utilizaba LSI para reducir drásticamente la cantidad de piezas necesarias y hacer que el instrumento fuera más compacto. El DX7 presentaba un panel de operaciones aplanado que permitía al público ver sin restricciones las manos del músico sobre el teclado cuando estaba en el escenario. El diseño eliminó los botones y palancas tridimensionales en favor de interruptores de membrana planos con gráficos verdes en relieve, dispuestos en un diseño simple; una apariencia que tenía como objetivo causar una fuerte impresión en los músicos como el primer sintetizador digital del mundo.
El uso de interruptores de membrana, algo poco común en los instrumentos, ofrecía muchas opciones en cuanto a la coloración de la impresión, y los diseñadores optaron por utilizar un verde que luciera atractivo en contraste con el color marrón oscuro de la carrocería (el mismo marrón oscuro que se utilizaba para las computadoras personales que Yamaha vendía en ese momento). Este color, conocido como "verde DX", era simbólico y apareció ocasionalmente en los sintetizadores Yamaha.
El DX7 también fue el primer sintetizador Yamaha que incluyó el logotipo de Yamaha y el logotipo del producto en la parte posterior del instrumento, donde el público podía verlos fácilmente. El uso de tecnología digital redujo la "pared" que formaba el panel de operaciones en los sintetizadores anteriores, creando una conciencia no solo de lo que ve el intérprete, sino también de cómo el sintetizador y el intérprete aparecen ante el público. Estos dos factores continuaron siendo temas importantes en el diseño de sintetizadores Yamaha en los años siguientes.
Respondiendo a una gama cada vez mayor de necesidades
En la segunda mitad de los años ochenta, los sintetizadores se convirtieron en algo habitual. Ya no eran solo el dominio de los músicos profesionales y semiprofesionales, en su mayoría hombres, sino que empezaron a aparecer en el mercado sintetizadores destinados a principiantes. El YS200, que se presentó en 1988 contaba con un panel de operaciones exclusivo y nació de una filosofía denominada "semántica de producto", en la que los diseñadores expresan la función de los productos a través de su forma. Para que los sintetizadores parecieran más fáciles de entender, los diseñadores de Yamaha dispusieron controles para la carga de datos musicales, el volumen, la selección de voces, el ajuste y, por último, la salida, a lo largo de un surco que se extendía de izquierda a derecha del panel, intentando expresar el flujo de la producción musical y rodear al instrumento de familiaridad. Esta expresión también se encontró en los teclados portátiles de la época.
Al mismo tiempo, Yamaha estaba introduciendo en el mercado grupos de productos destinados a los músicos principiantes e intermedios, y la Serie B (EOS) tuvo un éxito especial en Japón. El B200, que salió a la venta en 1988, ofrecía funciones específicamente diseñadas para los músicos que estaban empezando y contaba con altavoces circulares de dos vías en la parte superior del panel de operaciones, esquinas redondeadas en la parte superior izquierda y derecha del cuerpo del instrumento y ruedas esféricas de modulación y pitch-bending que se adaptaban cómodamente a la mano. Este uso de la forma redondeada se convirtió en un motivo icónico para el EOS, que era un producto desarrollado desde un punto de vista completamente diferente al de los instrumentos orientados a un uso más profesional.
Desde 1988, cuando se lanzó el B200, hasta 2007, Yamaha organizó un concurso EOS en el que participaron personalidades tan destacadas como Tetsuya Komuro y Daisuke Asakura, para llamar la atención sobre el campo de la producción musical basada en sintetizadores. La serie EOS encontró el favor de los adolescentes y las mujeres de veintitantos años, y la planificación y el marketing del producto trabajaron juntos para desarrollar el instrumento, lo que marcó el comienzo de una era en la que el diseño también funcionó para responder a una variedad de requisitos diferentes.
El VL1 debutó en 1993 como un sintetizador acústico virtual, con un cuerpo con líneas cálidas únicas, muy diferente de otros sintetizadores Yamaha hasta la fecha, lo que le daba una sensación suavemente tridimensional desde cualquier ángulo. Mientras que otras compañías usaban generadores de tonos PCM, el VL1 presentaba un generador de tonos VA basado en un sistema de modelado físico líder en el mundo que analizaba las estructuras de creación de sonido de los instrumentos acústicos. ¿Qué diseño sería adecuado para un nuevo sintetizador que utilizaba la generación de tonos VA para reproducir instrumentos de viento y cuerda con tanto realismo? Este fue un verdadero enfoque de Yamaha, y dio como resultado un diseño con curvas suaves y un cuerpo dorado champán, con la imagen de los instrumentos acústicos como tema. El panel de operaciones se fabricó con los mismos paneles de madera interiores que se usan para los vehículos de lujo, utilizando las técnicas de artesanía de la madera utilizadas en la producción de pianos para darle al VL1 una calidez acústica. Como Yamaha produce instrumentos tanto acústicos como digitales, nuestro profundo conocimiento de ambos nos dio la perspectiva y el conocimiento para crear este diseño único.
Respeto a los pioneros
A medida que pasaban las décadas, cada nuevo sintetizador que Yamaha producía se basaba en el legado de los modelos anteriores de una forma u otra durante el desarrollo. El EX5 de 1998 fue creado para ser un sintetizador de próxima generación equipado con cinco generadores de tonos diferentes, incluida la síntesis VA, y presentaba un cuerpo con un lado izquierdo curvado que rendía homenaje a su pedigrí VA.
La serie CP, que apareció por primera vez en 1976, comenzó con el piano electrónico CP-30 con su generador de tonos analógico y el piano de cola eléctrico CP-70 (que utilizaba un generador de tonos de cuerda pulsada) y luego evolucionó hacia una serie de pianos de escenario. El modelo insignia CP1 lanzado en 2009 fue un instrumento increíblemente expresivo que continuó este legado, utilizando la generación de tonos SCM, y viene con las voces de los pianos eléctricos vintage CP-70 y CP-80 como tonos almacenados internamente. Cuenta con un panel de aluminio diseñado a imagen de una espada japonesa, que refleja las teclas del teclado y sirve para aumentar la concentración del músico. También cuenta con un panel de efecto de cuero recubierto especialmente tratado que crea una textura y resistencia agradables. Con perillas que responden firmemente al toque del músico y paneles laterales de madera maciza que resisten los rigores de las giras, el CP1 cuenta con un logotipo brillante de Yamaha que es fácilmente visible para el público. Este exterior recuerda a una máquina de alto rendimiento, lo que significa las nuevas direcciones que el CP1 llevará a quienes lo jueguen.
Conectando al jugador y a la audiencia
El diseño de productos suele comenzar con un trabajo conjunto con otros miembros del personal para decidir los conceptos. Un día, en el año 2000, el personal de diseño y desarrollo, un productor y un diseñador se reunieron con cinco músicos profesionales de sintetizadores para pedirles su opinión sobre diversas áreas con el fin de recopilar información para el desarrollo de nuevos productos. En aquel momento, los sintetizadores Yamaha estaban sumidos en una crisis y, impulsados por la conciencia de las dificultades inminentes, buscábamos una forma de volver a encaminarnos hacia una trayectoria ascendente. De estas discusiones surgió el factor de que los propios músicos son conscientes de hacia dónde mira el público. Las estaciones de trabajo con un aspecto casi transparente de su identidad (instrumentos que enfatizan la apariencia del músico en el escenario) abordaron esta cuestión de la relación entre la visión que experimentan los músicos y la del público, que ha sido un tema común que vincula a los sintetizadores Yamaha desde la época del DX7.
De hecho, este tema fue el impulso detrás del diseño de la estación de trabajo MOTIF® que Yamaha lanzó en 2001, un instrumento dirigido a músicos profesionales que también es atractivo para otros. El color plateado del cuerpo y las líneas laterales angulosas del diseño MOTIF parecen encarnar los sentidos agudizados del músico, mientras que la línea negra que se extiende desde el panel de operaciones hasta la parte posterior del instrumento sirve como conexión entre el músico y el público, y se convierte en el legado simbólico de la serie MOTIF.
Con el mismo tipo de sistemas internos que encontramos en un PC y SO normales, el MOTIF XS, la tercera generación de la serie MOTIF, presentó un interior radicalmente modificado y permitió participar en una gama aún más amplia de actividades de producción musical, y por lo tanto trajo consigo más cambios en el diseño del panel de control. Este nuevo MOTIF estaba equipado con ocho controles deslizantes y perillas dispuestos en la franja vertical del panel que forma parte del ADN de MOTIF, expresando el vínculo constante entre el jugador y el público. Una nueva línea dibujada horizontalmente en el panel encerraba los botones de operación de edición musical para transmitir una conciencia del flujo de producción, mientras que las partes laterales se colocaron a la izquierda y la derecha del panel de operaciones, lo que permitió a los usuarios concentrarse en la producción musical. Como otros fabricantes estaban lanzando una multitud de sintetizadores de color plateado al mercado, los diseñadores de Yamaha cambiaron a usar un color de cuerpo verde metálico que recordaba al verde de las pantallas de monitor utilizadas cuando la tecnología digital estaba en su infancia. Se utilizó un esquema de color de dos tonos en la parte posterior del instrumento para que el delgado panel de operaciones pareciera flotar cuando estaba en el escenario.
Durante la fase de diseño de MOTIF XS, el personal involucrado dedicó mucho tiempo a discusiones en las que siempre aparecía una palabra clave: "espía". La película "Misión Imposible 3" era muy popular en su momento y es cierto que, incluso ahora, los diseñadores se inspiraron en la imagen de las emocionantes acciones de los protagonistas, que eran profesionales y elegantes.
No hay fin para las historias de inspiración en materia de diseño, e incluso si un producto está magníficamente diseñado, no hay garantía de que sea un éxito. Los productos se crean a partir de una fusión de ideas y tecnologías provenientes de la planificación, el desarrollo, la investigación, las ventas y el marketing, así como del diseño. Los instrumentos musicales son interfaces a través de las cuales los músicos transmiten la música al público, un concepto central al que los sintetizadores Yamaha se han mantenido fieles a lo largo de los años y al que seguirán siendo fieles en el futuro.
